PEINTURE – Le collimateur

La peinture de Mahacine Al Ahrach ou le regard enchanté (Par Boubker HIHI)

Le collimateur — Sun, 13 Mar 2022 09:16:32 +0000

Par Boubker HIHI

Dans les tableaux de l’artiste peintre Mahacine Al Ahrach, la figure humaine est quasi absente sauf quand elle réalise des portraits. Quand cette figure humaine est présente, elle n’est pas située dans le premier plan et elle n’est pas seule mais fait partie d’un groupe ce qui lui ôte toute individualité et crée une ressemblance. Cela est manifeste dans ce tableau où des personnes sont près du mausolée. La proximité avec ce dernier explique à elle seule le pourquoi de cette ressemblance et fait de ce tableau un paysage puisque les éléments vivants ici, à savoir les humains, se fondent avec une composante inanimée qui est le mausolée et ne bénéficient donc que d’un rôle secondaire.

Cadrés en plus de dos, ces personnages perdent davantage en importance. Par contre, à l’arrière-plan il y a la toute beauté verdoyante de la nature et qui contraste avec ce blanc mortuaire du sanctuaire. Ce mausolée est placé au milieu, comme au centre du monde de ces humains, incite les regards à converger vers lui. Même si la composition du tableau est assez ordinaire, voire classique, elle correspond précisément au propos. Pour représenter ce mausolée, Mahacine Al Ahrach a privilégié un angle de vue normal, se plaçant à son niveau, pour nous en donner une représentation objective. D’ailleurs, ce point de vue normal est privilégié par l’artiste peintre ; on le retrouve dans le tableau des trente portraits et même dans le tableau représentant un cheval.

Si les tableaux de Mahacine sont généralement flous grâce au recours à de simples tâches de lumière et à l’absence de couleur uniforme, c’est parce qu’elle peint des paysages mais des paysages tels qu’elle se les représente elle ; elle exprime la réalité et ne la représente pas. Les spectateurs malheureusement regardent les tableaux avec les yeux de la réalité au lieu de les appréhender avec leurs sensibilités.

Parmi les tableaux de l’exposition, se trouve un tableau où 30 visages du même personnage sont réunis. Dans ce tableau aux trente visages, le personnage est vu de face et sa figure est immobile. Ce sont les yeux du personnage qui captent notre regard. Ce sont des visages peints en gros plans, lesquels révèlent la psychologie du personnage. Par le choix de ce cadrage, Le portrait se veut une représentation plutôt morale de la personne. Certes le visage est le miroir de l’âme, mais devant le tableau de Mahacine, on est en présence d’un miroir éclaté. L’originalité de ce tableau, c’est qu’on se trouve devant le même visage mais qui n’est pas, à chaque fois, pareil. C’est du pareil mais pas au même. En effet, chaque visage précise des traits spécifiques et met en relief un sentiment.

Les visages, représentant la même personne, confirment l’hypocrisie de l’homme. Même le non hypocrite n’a pas le même visage. On est tous des hypocrites quel que soit notre statut social. En effet, dans le tableau rien n’indique le milieu social de la personne ; on n’a ni vêtements ni arrière-plan. Et l’on comprend pourquoi dans les tableaux de Mahacine, quand ce ne sont pas des portraits, la présence humaine se limite à de simples silhouettes. D’ailleurs, les formes dans les tableaux de Mahacine ne sont pas circonscrites avec des traits précis.

Il y a un de ses tableaux où elle représente un cheval. Mahacine ne nous dévoile de lui que des yeux et des nasaux. L’imagination du spectateur se charge de restituer le reste. Elle transcende la réalité du cheval en supprimant tous les détails qui d’habitude standardisent le cheval. On est en présence d’un cheval poétisé, puisque placé hors de l’ordinaire. Il devient mystérieux et invite par là le spectateur à sonder son mystère. Celui-ci est accentué par le fait que notre artiste recourt au niveau des c ouleurs à sa propre palette intégrant ce cheval à son propre monde et non au monde ordinaire. Cependant, il y a un cheval peint en blanc et on voit de manière claire sa tête avec son cou et sa crinière.

Même l’humain n’a pas droit dans ses tableaux à un plan aussi rapproché. Est-ce parce que le cheval est noble ? Mahacine ne s’est pas intéressée à peindre uniquement des paysages ou des portraits. On trouve aussi, dans son exposition, des figures inanimées: des nymphéas. Les nymphéas de Mahacine, occupant la surface gauche du tableau, sont très importants puisqu’ils sont le sujet essentiel du tableau. Même les humains n’ont pas eu droit à ce statut dans les peintures de Mahacine.

Ce paysage d’eau aux nymphéas ne peut pas ne pas nous rappeler les nymphéas de Claude Monet et peut être nous pousser à inscrire le travail de Mahacine Al Ahrach dans la lignée impressionniste, même si je suis convaincu qu’un artiste peintre se doit d’emprunter à ses prédécesseurs. Mahacine Al Ahrach a bien des procédés propres à elle pour sublimer le réel. Elle oppose souvent des lignes du ciel avec celles de de la terre. Cette opposition libère l’artiste peintre de la réalité, lui donne des ailes et une indépendance.

Les personnages du mausolée évoqués sont peints de manière très simplifiée ce qui exalte le réel et le sublime. Des petites touches qui ne cherchent pas à reproduire le réel dans son exactitude mais à révéler les particularités fondamentales de ce réel. Ainsi, de ces personnes près du mausolée, ne voit-on que des silhouettes et non des êtres humains à part entière. Les tableaux de l’artiste peintre MahacineAl Ahrach sont généralement aérés dans la mesure où certains sujets sont placés dans des espaces vides et d’où la quasi absence de plans rapprochés ou de gros plans. Cela a pour effet l’isolement du sujet. Souvent, l’être humain est absent dans ses tableaux ce qui pousse le spectateur à trouver des sujets essentiels autres que l’être humain. Celui-ci se trouve détrôné.

La composition en masses dans les tableaux de Mahacine est un peu particulière. Les éléments peints dans ses paysages ne sont pas marqués de manière très distincte ce qui crée un sentiment de platitude. Cependant intervient la couleur pour faire jaillir les masses. C’est la couleur qui crée les masses et établit une distinction entre les différents éléments. Ainsi, dans les paysage de notre artiste on ne trouve pas de lignes d’horizon ce qui unit presque le ciel et la terre. Ce qui crée la différence entre les deux, ce sont les couleurs (souvent nuancées).Autre caractéristique principale chez Mahacine est l’absence de lignes de force horizontale et verticale. Le recours à ces lignes voudrait dire que l’artiste peintre dirige le regard des spectateurs sur les éléments importants du tableau. Or Mahacine Lahrache ne veut rien imposer au regard du spectateur. En évitant les lignes de force, elle laisse au spectateur l’entière liberté d’aller avec son regard là où il veut et donner de l’importance aux éléments de son propre choix. La ligne d’horizon crée une impression de calme alors que les tableaux de Mahacine dérangent et invitent le spectateur à utiliser sa cervelle. Enfin, pour mieux cerner le travail de notre artiste peintre, ne serait-il pas fructueux de le rattacher à son contexte historique et personnel ?

TABOU BRISÉ ET JURISPRUDENCE INATTENDUE ! LA JUSTICE ESPAGNOLE RECONNAÎT DES DROITS À UNE ARTISTE « CO-AUTEUR » D’ŒUVRES D’ART !!

Azdine Hachimi Idrissi — Fri, 01 Oct 2021 16:43:51 +0000

Suite à une plainte de l’artiste peintre japonaise Fumiko Negishi (50 ans) contre l’artiste peintre espagnol Antonio de Felipe (56 ans)… dont elle était assistante et employée… la justice espagnole a rendu un jugement portant sur la notion de « co-auteur ».

Ce jugement nous interpelle et nous intéresse. L’étude comparée du droit permet d’améliorer la connaissance juridique… et d’identifier des pistes de réflexion que parfois le « droit national » n’arrive pas à offrir.

**Quel est le « statut » de la 2ème main ? Le tabou est brisé !

Question de fond ! Quel est le statut, la place, le rôle, la fonction ou la mission de ces « artistes assistants »… de ces « artistes exécutants » qui secondent des « artistes grandes signatures » pour la réalisation de leurs œuvres ? Autrement dit, quel est le « statut » de la deuxième main ? Quel sens donner à « aider », « assister » ou « seconder »… dans le cas des peintures signées par un artiste connu ?

On ne parle pas ici, évidemment, de ces « créateurs »… d’ici ou ailleurs… (amateurs ou professionnels peu inspirés et à l’éthique relative) qui signent carrément des « œuvres » réalisées entièrement par d’autres, ayant accepté… par nécessité… l’effacement et la compromission ! Ce sujet est clos !

Certains disent qu’on ne peut mettre sur le même plan le « maître » et celui qui l’assiste… quel que soit son apport !! Tant artiste qu’il est, « l’assistant » reste, pour beaucoup, un « employé subalterne »…

Or, le Tribunal de Madrid (en tant que juridiction d’appel) n’est pas d’accord. Dans son arrêt 204/2021 du 21 mai 2021, cette juridiction de degré supérieur a brisé le silence.

Les juges ont révoqué le jugement du Tribunal de Commerce N°3 de Madrid qui a refusé, en première instance, de reconnaître l’apport de Fumiko Negishi dans les peintures d’Antonio de Felipe .

**Les arguments du tribunal de première instance

L’artiste japonaise a travaillé avec Antonio de Felipe entre 2006 et en 2016 avant d’être licenciée pour des « raisons financières ». Elle a décidé de saisir la Justice pour revendiquer son apport et sa paternité pour au moins 221 œuvres que de Felipe a signées seul.

Les juges de première instance l’ont presque débouté. Ils ont estimé que Miko Negishi « était une salariée subalterne, bien que son rôle dans l’exécution des travaux pouvait être pertinent ». Pour eux, il n’y a pas de preuve évidente d’une « activité créatrice » de la peintre pour lui attribuer le « statut d’auteur ».

Le jugement a enfoncé le clou concluant qu’elle ne pouvait être « co-auteur » car elle était « employée » dans le cadre d’ « une relation hiérarchique entre les parties ».

**Les contre-arguments de la juridiction d’appel

L’arrêt de la cour d’appel a d’abord considéré comme avéré que les deux protagonistes sont des artistes possédant une grande expérience et sont reconnus.

Plusieurs témoignages, sous serment, ont affirmé que Fumiko Negishi a effectivement participé à la réalisation de ces peintures. Elle venait à l’atelier tous les jours, à l’exception d’un mois de vacances. Tel un « peintre fantôme », elle avait un espace au fond de l’atelier et n’était pas accessible aux visiteurs ni aux clients.

Se basant sur des avis d’experts, la juridiction d’appel a considéré qu’il y a effectivement un apport et une contribution de Negishi… aux travaux de son « employeur ». Son intervention ne peut être réduite à « quelque chose d’accessoire »…

L’arrêt a admis pour Fumiko Negishi le « droit moral de reconnaître sa paternité » pour de nombreuses œuvres. Des droits en qualité de « co-auteur » sur au moins 200 œuvres, car c’est elle qui a procédé personnellement à l’exécution.

La cour a considéré que l’artiste ne se limitait pas à suivre les instructions de son patron. Elle ajoutait une valeur artistique aux œuvres. Elle « a procédé à la réalisation de ce qui n’était qu’un projet en images ». Antonio de Felipe lui donnait une photo… parfois, un simple croquis.

Plusieurs témoins ont vu Fumiko Negishsi peindre des tableaux « du début à la fin ».

L’argument de l’artiste espagnol soulignant que « faire un tableau n’est pas qu’une question de pinceaux » et que « l’idée et le concept étaient les siens » n’était pas suffisant face aux juges !!

**Une relation d’employeur à employé ??

Pour ce qui est de la relation « employeur/employé », la cour a estimé que « l’existence d’une dépendance au travail » n’implique pas « que tout apport artistique du salarié soit annulé au profit de l’employeur même si celui-ci est un artiste ». Il faut apprécier la contribution réelle de chacun dans le travail de création.

Concernant le fait que la plaignante ait suivi les directives et travaillé sur le style « pop art » de son employeur n’implique pas, selon la cour, l’absence d’apport artistique de Negishi.

Le résultat n’aurait pas été exactement le même sans l’intervention de la plaignante. Elle a traduit les idées ou les projets de Antonio de Felipe en un « résultat final concret ».

En raison du rythme de vie et des nombreux déplacements de l’artiste espagnol, son catalogue d’œuvres n’aurait pas été aussi « prolifique » sans l’apport artistique de Negishi.

Un témoin a affirmé qu’il y a eu des périodes de trois ou quatre mois au cours desquelles Antonio de Felipe aurait été hors d’Espagne et au cours desquelles plus de 200 tableaux sont sortis de son atelier.

** L’équation « conception-exécution »

Pour la cour, il y a deux phases différentes pour la création d’une œuvre d’art: la conception et l’exécution. Pour qu’une œuvre d’art existe, il ne suffit pas de concevoir une idée, mais il faut la traduire et l’exécuter.

Outre le fait que la plaignante ait pris des décisions pertinentes qui ont influé sur le résultat final… la cour a estimé qu’il y a « une symbiose artistique résultant de la collaboration de deux professionnels de la peinture, l’un capable d’imaginer l’idée et un autre capable de l’exprimer sur une toile »…

L’apport de la plaignante… elle aussi artiste confirmée… ne peut être considéré comme une « simple intervention mécanique ou complémentaire ». Elle avait un rôle principal dans l’exécution des idées du défendeur.

Dans ce cas précis, la cour a accordé la même valeur aux phases de « conception et d’exécution » en termes d’originalité des créations afin de déterminer l’attribution des droits moraux.

Elle a conclu, que « les deux parties ont contribué à la création des œuvres en question, méritant ainsi le statut de co-auteurs ».

Pour les avocats, la première étape était de faire reconnaître la « contribution » de Fumiko Negishi… ensuite des revendications financières seront évaluées et formulées.

** Problème posé aux collectionneurs, aux musées et conséquences sur la valeur des œuvres d’Antonio de Felipe

Les musées et les collectionneurs s’interrogent tous sur la paternité des peintures signées par Antonio. Notamment celles célèbres et inspirées par Audrey Hepburn, Marylin Monroe, Madonna, Bruce Springsteen, The Beatles, Prince…

L’affaire se complique car il est devenu évident que bien avant la signature du contrat en 2016, Negishi collaborait avec Felipe.

En attendant le pourvoi en cassation, le problème reste posé notamment pour l’Institut Valencien d’Art Moderne (IVAM) dont le président a acheté en 2013 pour 132 000 euros 12 peintures d’ Antonio de Felipe. L’IVAM attend une décision finale pour ajouter et mentionner le nom de la « co-auteur ».

Par ailleurs, Antonio de Felipe doit informer les acheteurs sur la co-paternité, en plus de délivrer un certificat qui clarifie cette co-paternité cachée. Cela ouvre aussi la possibilité pour les collectionneurs de poursuivre l’auteur présumé pour les œuvres acquises et dont la valeur a été décimée après la condamnation.

**Une réflexion juridique qui n’existe pas encore chez nous

Cette réflexion de la Justice espagnole est très importante et fait avancer le débat sur les notions de « conceptualisation » et d’ »exécution » dans le domaine de l’art.

On n’est est pas encore là ! … S’agissant de notre contexte où le champ artistique souffre encore des turpitudes et des fléaux grossiers et basiques du faux, du piratage et du plagiat … les notions de propriété intellectuelle… de droit d’auteur… de droit de suite… sont bafouées… pas encore assimilées… ni protégées.

Le cadre juridique appelle à être amélioré

Or pour l’ancienne majorité parlementaire, dont la culture et les arts étaient le dernier des soucis, ce dossier ne semblait pas du tout être une priorité.

En effet, le projet de loi modifiant et complétant la loi 2.00 relative aux droits d’auteurs adopté par le Conseil de gouvernement… le 14 novembre 2019… n’a pas été voté. Il est toujours « en souffrance » depuis plus de deux ans au Parlement !

UNE ARTISTE. UNE ŒUVRE. FATIMA EL HAJJAJI. ESTHÉTIQUE DE LA FORÊT ET DE LA CLAIRIÈRE

Azdine Hachimi Idrissi — Tue, 04 Aug 2020 09:33:31 +0000

La peinture de la nature et de la forêt a connu ses lettres de noblesse au 19ème siècle notamment avec les écoles anglaise, belge et française. Les peintres paysagistes comme John Constable, Jean-François Millet, Charles François Daubigny, Théodore Rousseau …ont tenu à installer la nature au cœur de leur travail. Le plus marquant reste bien sûr Jean-Baptiste-Camille Corot qui, toute sa vie, a peint des arbres en cherchant une exactitude dans leur représentation.

Proches des milieux littéraires romantiques, les peintres de la nature voulaient se démarquer de l’académisme néoclassique et réagir aussi face à l’industrialisation naissante. Ils ont également annoncé la « lumière » des Impressionnistes qui, au départ, ont puisé leur inspiration dans la luminosité de la forêt. Après, ce fut « les reflets sur l’eau » – lumière et couleurs – qui constituèrent la composante la plus marquante de leur art.

Chargé de symboliques profondes, le thème de la nature et de la forêt occupe une place majeure dans l’histoire de la peinture. L’artiste plasticienne Fatima El Hajjaji a choisi de s’inscrire dans ce registre, avec un traitement corrélé évidemment à son ressenti contemporain et à la modernité plastique.

Fatima El Hajjaji qui expose depuis plus de 20 ans au Maroc et à l’étranger, commença son expérience picturale par une représentation apaisée et sereine de la nature, livrant un message écologique évident.

Elle célébrait avec sérénité les bois, les sous-bois avec une profusion de magnifiques feuillages verts et d’arbres épanouis. Un univers imprégné de quiétude avec des intitulés d’œuvres invitant à la promenade… à l’admiration du vert émeraude… ou à la féérie de l’été indien. Le tout servi par une technique maîtrisée des effets du « clair-obscur » et des tonalités du chromatisme sylvestre.

Toutefois, son travail allait connaître une nette évolution… Une prise de conscience écologique et une sourde inquiétude l’a amenée à questionner son approche et à porter un regard… moins allègre. La représentation jubilatoire et bucolique devenait moins évidente pour elle. Pourtant, elle aurait pu très bien continuer dans cette voie, qu’elle maîtrise parfaitement et qui a ses amateurs.

Mais, elle a tenu à explorer d’autres cartographies esthétiques… moins liées à la figuration et plus adaptées à de nouveaux ressentis et préoccupations. Le sens des œuvres s’est teinté de plus de gravité et d’inquiétude. L’abstraction s’est imposée…

Le traitement est devenu autre. Dépouillé, sobre. Un amer constat face à la nature et la forêt abîmées. Des arbres nus sans feuillage, calcinés… quasiment des traits noirs. Les représentations champêtres apaisées… promenade en forêt ou été indien… sont devenues un lointain souvenir. Le sujet « forêt » se laisse deviner mais il est estompé. Transcendé en un chromatisme austère et libéré de formes convenues.

L’effacement de la figuration est mené parallèlement avec l’effacement du sujet… la forêt… en une mise en abyme. Puisque la « forêt réelle » est menacée par l’effacement, le déclin… le genre figuratif lui-même perd de son sens. Un dépouillement qui ne garde que l’essentiel en une représentation incertaine. Le vert qui était prééminent a cédé le pas au rouge, à l’ocre, au jaune, au marron… aux couleurs du feu. Parfois en des visions de désolation.

Certaines de ses dernières œuvres exacerbent cette vision à travers des compositions abstraites, intégrant massivement matière et collage… y compris des éléments de charbon… la « matière » carbonisée. D’autres œuvres montrent aussi des collages de matériaux résiduels, issus de la spirale folle de la consommation… et son empreinte néfaste sur l’écosystème.

La forêt abîmée doit aussi être comprise ici comme une allégorie de l’espèce humaine mise en danger par sa propre inconscience. En écho évidemment avec l’intériorité de l’artiste oscillant entre divers états d’âme.

Fatima El Hajjaji aspire à éveiller les consciences car, pour elle, la fracture … « Homme » d’un côté et « Nature » de l’autre… n’a pas lieu d’être. L’homme n’est pas le maître de la nature et la nature n’est pas un « décor »… Il s’agit d’une unité fondamentale de l’homme avec son environnement naturel.

Mais au-delà de l’expression tourmentée, il y a aussi une forme d’espérance dans le travail de Fatima El Hajjaji. Toutes ses toiles montrent de fortes séquences centrales de lumière. Un ciel éclatant de luminosité qui occupe parfois les deux tiers de la toile. Un référentiel d’espoir, symbole d’une aspiration vers un monde plus éclairé, plus sage… malgré la régression et les dérives actuelles

C’est pour cela que la notion d’ « esthétique de la clairière » est à lier à son art et à son imaginaire… Elle peut être interprétée à travers cette pensée de Jean Anouilh : « Tout au bout du désespoir, il y a une blanche clairière où l’on est presque heureux ! ». C’est toute la portée et le sens symbolique de l’art accompli et maîtrisé de l’artiste Fatima El Hajjaji… un art utile et engagé, inscrit dans un message universel.