L’ami espagnol de la fausse « cause sahraouie » se rappelle à notre souvenir à travers une « dernière félonie » sortie droit du chapeau du DRS-DSS, soit une « pétition » contre le tournage d’une partie de la superproduction hollywoodienne « Odyssée » signée Christopher Noland, cinéaste bardé d’oscars pour Oppenheimer, roi du box-office depuis sa trilogie Dark Knight, qui cumule près de 3 milliards de dollars de recettes…

Un triomphe diplomatique pour notre pays et particulièrement pour notre chère perle du Sud, Dakhla, sur laquelle Hollywood a porté son dévolu pour réaliser cette superproduction. C’est ce qui explique cette campagne rageuse orchestrée par Alger et sous-traitée à de secondes mains, entre autres Javier Bardem, dont la proximité avec « la dernière dictature en Afrique » n’est plus à démontrer.

« Je demanderais au magnifique acteur Javier Bardem de se consacrer au cinéma et de laisser la politique de côté. Ainsi, il ne se ridiculisera pas en proférant des absurdités et des mensonges sur la vérité historique du Sahara marocain », a rétorqué le politologue espagnol Pedro Altamirano, en réaction au bidonnage de Bardem et consorts (Rodrigo Sorogoyen et Icíar Bollaín, cinéastes, Juan Diego Botto, Carolina Yuste et Luis Tosar). 

Je demanderais au magnifique acteur @BardemAntarctic Javier Barden de se consacrer au cinéma et de laisser la politique de côté. Ainsi, il ne se ridiculisera pas en proférant des absurdités et des mensonges sur la vérité historique du Sahara marocain pic.twitter.com/TUMvHfpVi6

— 𝗣𝗲𝗱𝗿𝗼 𝗜 𝗔𝗹𝘁𝗮𝗺𝗶𝗿𝗮𝗻𝗼 (@altamiranoMLG) August 5, 2025

En co-signant cette pétition d’en rire, ces derniers n’ont fait que se déshonorer davantage. On ne peut prétendre être artiste et faire le jeu d’un régime algérien despote.  

Simplement pathétique…

Lorsque Gladiator est sorti en 2000, il a marqué l’histoire du cinéma en proposant bien plus qu’une fresque épique : il était une leçon de vie. Maximus Decimus Meridius incarnait des idéaux intemporels, porteurs d’un message universel sur la résilience, le sacrifice et la quête de justice collective. Plus de vingt ans plus tard, Gladiator 2 tente de reprendre le flambeau. Cependant, cette suite s’éloigne des valeurs profondes du premier opus, au profit d’une vision individualiste et esthétisante, reflétant davantage le cynisme de notre époque qu’une continuité thématique.

Les piliers philosophiques de Gladiator

1. Le stoïcisme : Maîtrise de soi et résilience

Maximus personnifiait les idéaux stoïciens : la capacité à accepter le destin, à contrôler ses émotions, et à agir avec intégrité face à l’adversité. Même après la perte de sa famille et son déshonneur, il trouvait la force de poursuivre un idéal supérieur, illustrant que la dignité humaine peut persister même dans les pires circonstances.

2. Justice et espoir d’un monde meilleur

Plus qu’une quête de vengeance, le combat de Maximus était celui de la justice et de la liberté. Il incarnait l’idée que le pouvoir devait servir le peuple, s’opposant ainsi à la tyrannie de Commode. Ce combat transcendait l’individu pour embrasser une vision collective : laisser un héritage moral et politique à Rome.

3. Sacrifice et rédemption

Maximus, héros tragique, trouvait sa rédemption dans le sacrifice. Il ne luttait pas pour sa propre gloire, mais pour un bien commun, allant jusqu’à sacrifier sa vie pour restaurer l’idéal républicain. Sa foi dans une transcendance spirituelle, représentée par les Champs Élysées, donnait à son destin une dimension universelle et éternelle.

Une fracture avec Gladiator 2

Gladiator 2, centré sur Lucius Verus, s’éloigne des thèmes universels de son prédécesseur pour adopter une approche plus individualiste et linéaire. Là où Maximus portait un idéal collectif, Lucius agit principalement pour des motivations personnelles, souvent liées à sa survie ou à sa quête de gloire.

1. Un récit individualiste et simplifié

Contrairement à Gladiator, qui explorait les répercussions des actions de Maximus sur Rome et le monde, Gladiator 2 se concentre sur une trajectoire individuelle. Lucius manque de l’altruisme et de la profondeur philosophique de Maximus. Ses actions, bien qu’héroïques, semblent déconnectées d’une quête universelle ou morale.

2. Une esthétique privilégiée au détriment du sens

Les dilemmes moraux et les sacrifices héroïques laissent place à une narration linéaire, axée sur des séquences spectaculaires et une fin heureuse. Là où Gladiator trouvait sa puissance dans la tension entre tragédie et espoir, la suite semble calibrée pour plaire à une génération avide de récits rapides et visuellement impressionnants.

3. Un reflet du cynisme contemporain

Gladiator 2 semble refléter les valeurs d’une époque marquée par l’individualisme et une recherche de gratification instantanée. Les héros y sont solitaires, la communauté est absente, et les idéaux de justice paraissent illusoires. Cette vision trahit l’esprit même du premier film, qui célébrait la résilience collective et le dépassement de soi.

Les décors : un miroir de l’échec

La tentative de réutiliser des éléments visuels du premier film, comme le Colisée et les décors de Rome, couplée à des scènes tournées dans les studios du Maroc, renforce paradoxalement l’échec du film. Ces décors, qui rappellent la grandeur épique du premier Gladiator, semblent non seulement nostalgiques mais également incongrus dans le cadre d’un récit qui n’a plus la portée mythologique d’antan.

Loin de sublimer l’histoire, ces éléments visuels amplifient la sensation de vide narratif, rappelant la grandeur du premier opus tout en soulignant la superficialité du second. Ce qui aurait dû être un hommage à l’héritage de Gladiator apparaît plutôt comme un écho de sa propre bêtise, comme une tentative désespérée de capturer une gloire disparue.

 Une prestation impeccable, mais dénuée de singularité

Denzel Washington, acteur reconnu pour sa capacité à insuffler profondeur et charisme à ses personnages, livre une performance techniquement irréprochable dans Gladiator 2.

Cependant, le rôle qui lui est attribué manque de relief et de substance, empêchant son talent de pleinement s’exprimer. Coincé dans un cadre narratif limité et une caractérisation simpliste, son personnage sombre dans une forme de caricature répétitive.

Là où on aurait attendu une interprétation marquante, capable de rehausser le film, Denzel semble se contenter d’exécuter son « métier », sans apporter la singularité et l’intensité émotionnelle qui font sa marque de fabrique. Une opportunité gâchée, où même le talent de l’un des plus grands acteurs de sa génération ne suffit pas à compenser les lacunes scénaristiques.

Une opportunité manquée

En tentant de moderniser le récit, Ridley Scott a, paradoxalement, affaibli ce qui faisait la grandeur intemporelle de Gladiator. La profondeur émotionnelle et les valeurs universelles du premier opus ont été remplacées par une narration centrée sur le protagoniste et une esthétique tape-à-l’œil, trahissant l’essence même de l’œuvre originale.

Ridley Scott, autrefois maître dans l’art de combiner spectacle et réflexion, semble ici avoir rompu un mythe que l’on croyait éternel. Les choix narratifs, entre incohérences historiques et happy end pathétique, brisent l’aura quasi-sacrée du récit original.

Ce qui devait être une continuation épique s’est transformé en une opportunité manquée de prolonger un univers qui, dans sa première incarnation, semblait destiné à traverser les âges.

 Conclusion : Une désillusion amère

Pour les spectateurs marqués par la puissance intemporelle de Gladiator, sa suite s’apparente à une profonde désillusion. Là où Maximus incarnait des valeurs universelles de résilience, de sacrifice et d’espoir collectif, Lucius n’offre qu’un parcours individuel dépourvu de la même portée morale et philosophique.

En abandonnant les fondements qui avaient fait la grandeur du premier film, Gladiator 2 échoue à recréer sa magie. Le film apparaît comme le reflet d’un changement culturel : il délaisse l’exaltation des idéaux collectifs au profit de récits centrés sur l’individu, symptomatiques d’une époque plus égocentrée et désenchantée. Ce glissement, bien que révélateur de son époque, trahit l’héritage d’un chef-d’œuvre qui semblait voué à traverser les âges.

L’abandon de la révolte collective au profit d’une exploration psychologique et musicale pousse à se demander si cette transition a servi ou trahi l’essence du personnage du Joker. Une rupture avec la révolte initiale Dans Joker (2019), Arthur Fleck devient un symbole chaotique de résistance, représentant les frustrations d’une société écrasée par les inégalités. La puissance du film résidait dans sa capacité à canaliser la rage collective tout en dépeignant avec justesse le basculement d’un homme marginalisé vers une folie libératrice.

Cependant, dans Folie à Deux, cette énergie révolutionnaire est remplacée par une introspection confinée dans l’asile d’Arkham. Le Joker n’est plus la figure de proue d’un mouvement, mais une âme brisée, enfermée dans une prison physique et mentale. Arthur est aliéné par la célébrité qu’il a acquise malgré lui, et cette renommée, loin de l’émanciper, le piège davantage dans un rôle qu’il ne maîtrise pas. Sa relation avec Lee Quinzel (Lady Gaga), future Harley Quinn, illustre cette dynamique : elle n’admire pas Arthur mais le Joker, une idole façonnée par la société et vidée de sa substance humaine​.

Le Joker : un symbole prisonnier de sa société

Todd Phillips semble vouloir démontrer que, malgré son statut d’icône chaotique, le Joker n’est qu’un produit des forces sociales oppressives.

Arthur, qui incarnait une rébellion brute dans le premier film, est ici réduit à une performance imposée, incapable de s’approprier son destin. Arkham, sombre et oppressant, devient une métaphore de cette double oppression : celle d’une société qui l’a marginalisé, puis idolâtré à l’excès.

Cette évolution reflète une critique plus large. La société, après avoir rejeté et broyé les marginaux, absorbe leurs symboles de révolte pour les neutraliser. Le Joker, au lieu de rester une figure subversive, devient un outil du spectacle, vidé de son pouvoir transgressif. Ce choix, bien qu’intellectuellement stimulant, a laissé certains spectateurs se sentir trahis par l’abandon d’une intrigue aussi chaotique que celle du premier opus​.

Un pari stylistique audacieux: le musical

Le passage au genre musical est un autre aspect qui divise. Todd Phillips et son équipe intègrent des séquences chantées et dansées, créant une rupture nette avec l’esthétique réaliste et sombre du premier film. Ces moments, bien que visuellement captivants, peuvent paraître déconnectés du récit principal et diluer l’intensité dramatique.

Lady Gaga livre une performance remarquable en Lee Quinzel, mais son personnage est souvent réduit à une fascinée du Joker, renforçant l’idée d’une relation toxique et asymétrique. Les performances musicales, bien que techniquement impressionnantes, peinent parfois à intégrer naturellement la folie et l’absurdité du Joker, donnant une impression d’artifice qui pourrait éloigner certains spectateurs​. Un bilan narratif et émotionnel en demi-teinte Le véritable pivot du film est l’évolution d’Arthur Fleck, non plus comme un héros tragique, mais comme une figure victime de son propre mythe. Alors que le premier film explorait comment une société oppressante peut engendrer des monstres, cette suite illustre comment elle récupère et neutralise ces monstres en les transformant en symboles dociles.

Pour certains, ce choix souligne un paradoxe puissant: même dans son apogée, le Joker reste prisonnier des structures qu’il cherchait à défier. Mais pour d’autres, cela marque une régression. L’abandon de la critique sociale et de la rage collective au profit d’une introspection déconnectée laisse un goût amer. Une œuvre polarisante mais mémorable.

En conclusion, Joker: Folie à Deux est une œuvre complexe et audacieuse qui prend le risque de redéfinir son personnage central. Si la maîtrise technique est indéniable, le film semble trahir les attentes des spectateurs en abandonnant le chaos révolutionnaire pour une exploration plus abstraite et psychologique. Ce deuxième opus interroge sur la véritable nature des symboles révolutionnaires: sont-ils des instruments d’émancipation ou des produits manipulables par la société ? Quoi qu’on en pense, Joker: Folie à Deux restera un chapitre marquant, non seulement dans la mythologie du Joker, mais aussi dans le débat sur la manière dont le cinéma peut (ou doit) traiter des figures de révolte.

Le Maroc continue de séduire les réalisateurs étrangers, et cette fois-ci c’est le cinéaste canadien Gino Justin McKoy qui a choisi le pays comme cadre de son film de science-fiction intitulé « Lumina ». C’est la première fois qu’un film de ce genre a été tourné au Maroc, plus précisément à Marrakech, avec des scènes, alternant entre les montagnes de l’Atlas et le désert d’Agafay. Le film met en scène un jeune diplômé d’université à la recherche de sa petite amie disparue après un éclair aveuglant, plongeant ainsi dans un réseau dangereux de distorsions d’un autre monde. Le casting du film comprend des acteurs prestigieux tels qu’Eric Roberts, le frère de Julia Roberts, Ken Lawson et Eleanor Williams.

Gino Justin McKoy est tombé sous le charme de Marrakech et des paysages diversifiés du sud marocain. Originaire des Caraïbes, il voit des similitudes entre son pays et l’Afrique, et estime que le Maroc possède une diversité de paysages et un héritage culturel qui en font une terre bénie pour les réalisateurs. Il affirme avoir trouvé au Maroc les paysages et les lieux de tournage dont il rêvait, notamment à Ouarzazate et Marrakech (désert d’Agafay, route d’Agdz, etc.). Il considère que les paysages du Maroc ont un potentiel énorme digne des plus grandes productions du genre, telles que « Alien » et « Predator ».

Touché par l’hospitalité marocaine, Gino Justin McKoy prévoit de tourner un autre film à Marrakech. Il a déjà écrit ce film avec le scénariste américano-canadien Michael Sloan, également producteur du film « Equalizer » avec Denzel Washington. Il exprime son souhait de tourner ce prochain film au Maroc, plus précisément à Marrakech.

Le réalisateur canadien est donc enthousiaste à l’idée de continuer à travailler dans ce pays qui l’a séduit.

Du haut de quelle « responsabilité » l’auteur du film s’est-il donc autorisé à utiliser un morceau de la chanteuse pro-« polisario », Meriem Ment Hssan? 

L' »atteinte à la liberté de création » serait-elle plus grave que « l’atteinte » à la mémoire de nos martyrs tombés pour le Sahara, « l’atteinte » à la veuve et à l’orphelin, « l’atteinte » aux rescapés de l’enfer tindoufien, lesquels portent dans leur chair et esprit, les séquelles ineffaçables des travaux forcés, de la torture épouvantable, des traitements dégradants et atroces qui leur ont été infligés par les matons de Rabouni et leurs protecteurs algériens.

On aimerait bien savoir ce que penseraient ces défenseurs de « la liberté de création » des sacrifices consentis par ces héros tombés sur le champ d’honneur, ce don de soi dont font preuve ceux qui sont actuellement sur la ligne de feu… ?

Loin de nous l’idée de mettre en doute le patriotisme de quiconque, encore faut-il le prouver, par des actes et non par des polémiques stériles. Loin de nous l’idée de contester le principe de liberté, encore faut-il savoir en faire un usage responsable. Cette précision n’est évidemment pas un appel pour dresser des échafauds pour la liberté, encore faut-il savoir que ce principe n’est pas une carte blanche pour faire n’importe quoi et n’importe comment. Ce qu’il s’est passé il y a tout juste un mois sur la scène OLM-Souissi, vous en conviendrait, est un déRAPage. C’est la preuve que certains ne sont pas encore mûrs pour un exercice sain de leur droit à la liberté, sous quelque forme qu’elle soit.

Pour « Zanka contact », on se demanderait comment le morceau de la séparatiste a pu échapper à l’oeil de la Commission nationale du Fonds d’aide à la production cinématographique, pour ne pas parler du jury du dernier Festival national du Film de Tanger qui lui a décerné le Grand prix!

L’interdiction du film ne suffirait pas, sa levée ne saurait être conditionnée à la seule suppression du morceau par « qui » le scandale arrive. Toute décision à ce sujet doit être arrimée à cette exigence de vérité: pourquoi et comment la musique de la séparatiste a-t-elle été intégrée au film. 

« le scénario et la copie visionnées ne faisaient aucune allusion à l’utilisation de la musique de Meriem Ment Hssan mais des extraits de la chanson Sidi Reddad du chanteur Fadol. Cette chanson ne comporte bien évidemment aucune atteinte aux fondamentaux de la nation », indique un communiqué du CCM diffusé ce matin sur son site officiel.

Pour rappel, « la commission d’aide du CCM avait octroyé une avance sur recettes de 4,2 millions de dirhams pour la production de ce film. « Cette avance qui a été versée en plusieurs tranches n’a été accordée qu’après avoir visionné une copie du film en 2020 », a précisé le CCM, adressant « un avertissement à la société de production pour modifier dans un délai de 48 heures la version finale du film de façon, à ce qu’il corresponde au scénario déposé. « Dans le cas contraire, le centre sera dans l’obligation de retirer l’autorisation à la société de production exécutive », a averti le CCM.

Reste maintenant à voir ce qu’il adviendra du Grand Prix du 22e Festival National du Film Tanger, attribué au même film le 24 septembre 2022.

Affaire à suivre

« Spider-Man: No Way Home », avec la star britannique Tom Holland, a collecté 467,3 millions de dollars en Amérique du Nord et 587 millions à l’international, soit plus d’un milliard de dollars sur 12 jours, confirmant les attentes des analystes, a indiqué dimanche Exhibitor Relations, cabinet spécialisé dans l’industrice cinématographique.

Le film rejoint ainsi « Star Wars: The Force Awakens » qui était parvenu à cette performance en 2015, selon le magazine Variety, et ce malgré la propagation de Omicron, le variant très contagieux du Covid-19 qui perturbe à présent le monde entier.

Avec un montant estimé à 23,8 millions de dollars, « Sing 2 » a été la tête de l’affiche du weekend.

Il a devancé « The Matrix: Resurrections » et « The King’s Man » qui ont obtenu respectivement 12 millions de dollars et 6,4 million de dollars.

Ce documentaire, qui retrace le parcours de la communauté juive ayant quitté Tinghir dans les années 1950-1960, a été désigné par l’APM « Testament de promotion de la paix et de la coexistence » dans la Méditerranée.

Kamal Hachkar emmène le public, à travers ce film, à la croisée des cultures et fait résonner les chants, les voix et les histoires de cette double identité partagée entre Juifs et Musulmans dans sa ville natale.

Intervenant à cette occasion, M. Hachkar s’est félicité de cette distinction au sénat italien, qui coïncide avec la fête de l’indépendance du Royaume, indiquant que ce film-documentaire représente un « message de tolérance » et un « véritable hymne » à l’altérité, au vivre ensemble et aux identités plurielles du Maroc, qui constitue, selon lui, un exemple de coexistence et de convivialité.

Le cinéaste a souligné « la responsabilité des artistes à promouvoir la fraternité entre les peuples et à combattre sans relâche les discours racistes et antisémites », se réjouissant du soutien de la Fondation Hassan II pour les Marocains résidant à l’étranger et du Conseil de la Communauté Marocaine à l’étranger.

« Tinghir-Jérusalem » a reçu plusieurs récompenses au fil de ses multiples projections lors de plusieurs festivals, notamment au Canada, en France, en Belgique, au Mexique et aux USA.

C’est dans le cadre de la compétition « Horizons du cinéma arabe », que le cinéaste marocain présentera son œuvre, aux côtés de 11 autres films, dont notamment « Streams » (Atyaf) du Tunisien Mehdi Hmili, « Fiasco » du Libanais Nicolas Khoury et « Du Caire » de la réalisatrice égyptienne Hala Galal.

Dévoilant, dimanche, le programme de l’événement, le président du Festival Mohamed Hefzy a fait savoir que l’édition 2021 connaîtra la participation de 98 films représentant 63 pays, dont 76 longs métrages et 22 courts métrages.

Le jury de la compétition « Horizons du cinéma arabe », sera composé du réalisateur libanais Hady Zaccak, l’actrice et réalisatrice Saoudienne Fatima AlBanawi, ainsi que l’auteur et réalisateur égyptien Tamer Mohsen.

Pour sa 43e édition, le Festival international du film du Caire accueillera la 8ème édition du Cairo Film Connection (CFC), une plateforme de soutien de films en pré et post-production. Ce programme concerne 15 projets de scénarios et de documentaires dont le projet du film marocain « Un été à Boujad » du réalisateur Omar Mouldouira.

En compétition internationale, 13 films sont en lice pour les prix de la Pyramide d’or du meilleur film, qui est attribué au producteur, la Pyramide d’argent « prix spécial du jury », du meilleur réalisateur, ainsi que la Pyramide de bronze du meilleur premier film, qui est attribuée au réalisateur.

Il s’agit aussi du prix Najib Mahfouz du meilleur scénario, des prix du meilleur et de la meilleure actrice et du prix Henry-Barakat de la meilleure contribution artistique.

Le réalisateur serbe Emir Kusturica présidera le jury de la compétition officielle, qui comprend également l’actrice américaine Marisa Berenson, le compositeur libanais Khalid Mouzanar, l’actrice française Nora Arnezeder, la comédienne égyptienne Nelly Karim et les réalisateurs indien Chaytania Tamahani et italien Roberto Minervini.

L’engin Soyouz transportant l’actrice Ioulia Peressild, 37 ans, et le réalisateur Klim Chipenko, 38 ans, ainsi que le cosmonaute chevronné Anton Chkaplerov, a décollé à 08H55 GMT depuis le cosmodrome russe de Baïkonour, au Kazakhstan.

Après cinq minutes, ils étaient à quelque 150 km d’altitude, et les séparations des différents étages de la fusée se faisaient sans accroc.

Selon le plan de vol, l’engin transportant l’équipage doit s’arrimer à la Station spatiale internationale (ISS) lundi à 12H12 GMT. Le réalisateur et l’actrice auront 12 jours pour y tourner un film provisoirement intitulé « Le défi », qui mettra en scène une chirurgienne ayant pour mission de sauver un cosmonaute. Ils reviendront sur Terre le 17 octobre.